Luna Woelle (@wo11.e) は、私たちをテクノロジーに依存させる実用性や安全性の感覚に挑戦するデジタル作品を開発しています。スロベニア出身で東京を拠点に活動するこのアーティストは、母国から自然とのつながりをもたらし、日本の巨大都市における脊椎動物の生活が持つ体系化された力学に対する彼女の認識をより鮮明にした。
Lunaのプロジェクト「Imaginary Robotics」では、道具としてのテクノロジーからその機能的な本質を取り除き、人に使われることなく自立した生活を営むデバイスを生み出しています。もしテクノロジーが人間の欲望から解放されてそれ自体で存在できるなら、人間はテクノロジーに対する欲望から解放されるのだろうか？
Lunaはデジタルアート、DJやVJとしての活動、そしてクリエイティブプラットフォームMizuha 罔象（@mizuha.cc）のメンバーとして、日本のオルタナティブシーンに関わっています。
Chorareii: まず、自己紹介をお願いします。
Luna Woelle: 私はスロベニア出身の3DCGアーティストで、22歳、現在東京を拠点に活動しています。リュブリャナのグラフィックデザイン高校を卒業後、日本料理を学ぶために来日し、懐石料理のプレゼンテーションに興味を持ったことがきっかけで、以前のプロジェクトに参加しました。
パンデミックの進行に伴い、私はデジタルアートに戻ることにしました。抽象的で有機的な形状から始まり、ハードサーフェイスモデリングに移行し、「イマジナリーロボティクス」の実験に取り組んでいます。
実験音楽レーベル／オーディオビジュアルプラットフォーム「Mizuha 罔象」の共同設立者として、ビジュアルキュレーターやマネージャーとして、また地元のイベントや海外のラジオ局やプラットフォームでDJとして活動しています。
私たち人間は、技術的なデバイスを日常生活を助ける道具として使っています。しかし、あなたの作品を見ると、テクノロジーはあなたにとってインスピレーションの源でもあることがよくわかります。あなたはテクノロジーをどのように見ていますか？テクノロジーがアートになったとき、何を目覚めさせることができると思いますか？
私にとってこの作品は、現代人の内なる葛藤、そして進化するテクノロジーへの適応、高機能で極めて慣習的な社会というアイデアに引き込まれ、その結果、自然との接触を失ってしまうという個人的な葛藤を表しているのです。コンクリートや機械が人間の成功や安全を意味する、高度に便利で技術的に進歩した大都市に移り住んだ私の心境です。
個人レベルでのこの移行は、ノスタルジーと罪悪感、恥についての内なる葛藤、そしてテクノロジーへの依存が繁栄と生き残りのための唯一の方法であるという事実の受容を引き起こします。
とはいえ、その進歩は多くの興奮をもたらすものでもあります。あらゆるものが急速に変化し、常に新しいものが出てくる。この人工的な進化に追いつくのは大変なことなのです。
そこで、イマジナリーロボティクスは生まれました。私は、消費主義に迷い込んだ罪悪感から、機能的な器具に非常に似ているが、実は表面的で無意味なオブジェを制作している。それらは、私たちをドーパミンでハイにさせるが、空虚で不安な気持ちにさせ、中毒への道を開く資本主義的な商品を表している。
灰色の岩、白い光、雲、洞窟、緑の植物、昆虫など、あなたの作品には自然も登場します。これらの要素は、自然の冷たい側面を感じさせるので、なんとなくテクノロジーと共通するところがあるように感じます。そのようにお考えですか？
私はいつもクールな配色に惹かれ、自然の中にあるパターンやテクスチャーに興味を持っています。そのような環境の中に異質なものを置くと、神秘的であったり、少し控えめで引っ込み思案な感じがしますが、最近はロボットという形でそれを再現しています。どちらのモチーフも根底に硬質なものがあり、それが自分の心理を表しているようで興味深いです。
3DCGアーティストとして、あなたはデジタルで作品を制作しています。また、デジタル環境で消費される作品も多く、AR（拡張現実）にも取り組んでいらっしゃいますね。デジタル環境でのアートは、アナログのアートと比較して、どのような体験ができると思いますか？
アナログアートは個人的なものです。アナログアートには、作家の手触りや存在感、創作過程が感じられます。人間は視覚だけでなく、触覚や嗅覚、味覚にも敏感ですから、親しみやすさや親近感を求めて、よりアナログアートに惹かれるのでしょう。
その心地よさを奪うことで、進化し続けるxRの技術によって、まったく新しい体験への道を切り開くのです。このような視覚的な刺激に満ちたアートの具現化によって、私たちは確信と欺瞞を感じながら、同時に過剰なまでの刺激を受けることになるのです。デジタルの世界で自分をどう表現するか、無限に創造するための新しい可能性をもたらしてくれるのです。
AR技術を使って、Forest LimitでのAR VJ、Contact TokyoでのAR展のキュレーション、最近では渋谷パルコのP.O.N.D.展での作品展示などを楽しんでいます。MUTEK Japan 2022では、Psychic VR Labの技術サポートのもと、ARを使ったオーディオビジュアルパフォーマンスを行う予定です。
スロベニア出身で東京を拠点に活動されていますが、あなたの作品には両国のどのような要素が含まれているのでしょうか？
簡単に言うと、私はこの2つを自分に与える影響によって区別したいのです。私の母国は、自然から得た要素を使用する最初のインスピレーション源であり、ノスタルジーとホームシックが混在していることを示唆していると思います。
この高度に発達した社会の機械に囲まれ、生活していると、あっという間に順応してしまう。だから私は、自分の生い立ちの温かさに思いを馳せ、心地よさの感情を解体し、指針を探そうとするのだ。とはいえ、テクノロジーへの強い依存と傾倒、そして資本主義世界への積極的な参加を覆い隠したくはない。だからこそ、アートを通して罪悪感を表現する必要性を感じている。
プロジェクト名や作品名が、技術的なデバイスや製品のプロトタイプという言葉を連想させますね。これは芸術的な試みだと思いますが、実際の技術製品のデザイナーとして仕事をすることは考えますか？
今、私にとってのデジタルは、快適さと同時に閉塞感を表しており、3Dオブジェクトをリアルなものにする必要性を感じ、最終的に一周して物質的な商品の最たるものを作り上げました。その無意味さ、無目的さにこだわりたいので、今は芸術的な表現に集中したいですね。
また、糸切り工具やセンタードリルを製造している日本の一流企業のロゴアニメーションを手がけることになり、皮肉と面白さを感じています。将来、何かあるかもしれませんね。
あなたが所属しているA/Vプラットフォーム「Mizuha 罔象」について教えてください。
Mizuha 罔象は、3DCGアートと並行して、ポスト実験的なサウンドスケープに焦点を当てたオーディオ／ビジュアル・プラットフォームです。谷本一郎によって設立されたこのプロジェクトは、ニッチでポストインターネットな電子音楽を日本に紹介すること、そして若手やあまり知られていないアーティストが作品を発表するためのプラットフォームを作ることが目的でした。私たち2人は、サウンドとビジュアルの両方のアーティストをバランスよくキュレーションし、デジタルとフィジカルでアルバムをリリースし、VRやARの展示もキュレーションするよう心がけています。
少し間が空きましたが、5枚の新しいアルバムのリリースが決定し、とても興奮しています。世界中からこれほど多くの才能あるアーティストを集められることが、新しいプロジェクトに取り組み続ける原動力になっています。
アーティストとしてだけでなく、DJやシェフの勉強もされていますね。これらの異なる情熱をどのように楽しんでいるのでしょうか？また、今後どのように発展させていきたいですか？
調理師学校に入学して、自分が本当にやるべきことはビジュアルアートだと気づくのにそれほど時間はかかりませんでした。日本の伝統的な料理が好きになった一番の理由は、視覚的な表現にあったのですが、肉体労働はそうでもありません。
2年制の調理師コースでは、Nobu Tokyoで6週間の集中的なインターンシップを経験し、この業界に飛び込まないという選択がほぼ確定したのです。この経験は、高校時代を通して私の原動力となり、日本への奨学金を得ることができたので、一生感謝することになるのですが、卒業後は、料理の道から当分の間離れることになります。
DJに関しては、常に私の生活の一部でした。最近になってようやく手にしたのですが、子どもの頃は、大人はみんなDJだと感じていました。
私はクラブシーンや実験的な電子音楽と密接に結びついたコミュニティで育ちました。後者は、私の興味に大きな影響を与え、形成し、またビジュアルアートの制作にもインスピレーションを与えてくれました。私にとって音と映像は切っても切り離せないものであり、この共依存的な創造プロセスに私は常に関わっているのです。
生まれて初めて、当分の間、何の計画もありません。日本に滞在する方法を探しながら、創作活動を続けていきたいと思っています。
100年後のアートはどうなっていると思いますか？
正直なところ、わからない。今に集中したい。
凹[◎凸◎]凹
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